今日は少し哲学的なテーマをお話ししたいと思います。
それは「作曲家とAIの想像（創造）の境界線」について。
ちょっと難しそうに聞こえるかもしれませんが、最後まで読めば「なるほど」と思ってもらえるはずです。
AIが変える“音楽のつくり方”
ここ数年、AIの進化は本当に目覚ましいですよね。
今では数秒でオリジナル曲を生成できて、ジャンルも自由に選べます。
しかもBGMなど商業用途でもどんどん使われ始めています。
「便利・早い・安い」
この3つの要素が揃っているので、企業や制作者がAI作曲を導入するのは自然な流れです。
でも、その一方で──
多くの作曲家が「何か違う」と違和感を抱き始めているのも事実です。
“人間の作曲”にあるもの
そもそも人間の作曲というのは、感情・経験・意図を音に変換する行為です。
喜びや悲しみ、時には苦しみさえも旋律の中に込めて表現します。
音楽には「作る工程」にこそ意味がある。
メロディを考え、コードを選び、試行錯誤しながら形にしていく。
そのプロセスこそが“人間の創造”であり、“喜び”なんですよね。
また、既存の音楽にはストーリーやメッセージが込められています。
失恋した時、恋に落ちた時──
私たちはその体験を音楽に変えて表現できます。
ボーカリストの息遣いや強弱の揺らぎ。
激しい怒りや深い悲しみ、そして希望。
そうした“人間の感情そのもの”が音に刻まれているのです。
芸術とは「感情の記録」
音楽の歴史をたどると、中世ヨーロッパでは音楽は娯楽でした。
しかし、時代が進むにつれて、音楽は“表現”へと変化していきます。
ロマン派の作曲家・ベートーヴェンはその象徴です。
彼は愛や苦悩、喜びといった感情をすべて音楽に注ぎ込みました。
絵画の世界でも同じです。
ムンクは自身の精神を絵で描き、ピカソは『ゲルニカ』で戦争の悲劇を表現しました。
芸術とは、個人の経験と心のエネルギーを形にするものなんです。
AIと人間の“想像の違い”
AIの強みは「膨大な情報処理」と「スピード」です。
効率よく響くメロディやコードを導き出せます。
しかし、それは“正解を生み出す力”であって、“問いを立てる力”ではありません。
人間の芸術は常に「なぜ」から始まります。
なぜこの音楽を作るのか。
なぜこのメロディにしたのか。
AIがこの“なぜ”を理解しない限り、本当の意味での“創造”には届かないのかもしれません。
AIは敵ではなく“共作者”
私はAIを敵とは思っていません。
むしろ、共に作品を作るパートナーだと思っています。
AIが生み出す予測不能な音や構造を、人間が感性で選び取り、物語を与える。
それこそが新しい作曲の形になるはずです。
AIが音を生み、人間が意味を与える。
この協働こそが、次の時代の“創造”なのかもしれません。
音楽と料理の関係
音楽を料理に例えると分かりやすいです。
AI作曲は「ファストフード」のようなもの。
マクドナルドや吉野家のように、安くて、早くて、美味しい。
気軽に楽しめる便利さがあります。
でも、たまには「手間暇かけた高級料理」も食べたくなりますよね。
素材や調理法にこだわった料理には、それだけの価値がある。
AI音楽と人間の音楽も同じです。
どちらも必要で、どちらにも魅力がある。
共存こそが未来だと思います。
音楽は常に変化している
音楽は、時代とともに姿を変えてきました。
かつては神に捧げるための音楽、教会や宮廷で演奏される儀式のための音楽。
貴族だけが楽しめる“特権的な娯楽”として存在していた時代もあります。
一方で、時代によっては大衆向けの音楽が“低俗”とされ、受け入れられなかったこともありました。
そのたびに「これは音楽ではない」と批判する声が上がってきたのです。
現代のAI音楽に対しても、同じように批判的な意見があるのは自然なことかもしれません。
しかし考えてみれば、
パソコンで作曲できるようになったときも、打ち込みで完結するDTMが登場したときも、エレキギターやシンセサイザー、そして初音ミクのような歌声合成ソフトが登場したときも、当時は「そんなの音楽じゃない！」という反発がありました。
それでも、今ではそれらが音楽文化の中心にあります。
AI音楽も、きっと同じような道を辿っているだけなのかもしれません。
現在は、SOLAのようにAIが1曲まるごと生成するだけでなく、AIを活用したMIXやマスタリング、そしてSynthesizer Vのように自然な歌声を作るツールまで登場しています。
筆者自身はAI作曲を使うことはあまりありませんが、ボーカルMIX、マスタリング、Synthesizer Vは日常的に使っています。
偏見はなく、便利だから使う。それだけです。
もちろん、プロのMIXエンジニアや仮歌シンガーの仕事が減っている現実もあります。
けれど、どの時代にも技術革新によって変化と淘汰はありました。
大切なのは“流れを恐れず、トレンドを肌で感じ続けること”だと思います。
ちなみに、筆者が本当に怖いと感じるのはAIではありません。若くして突出した才能を持つ人間です。
たとえばボカロPのKanariaさん、柊マグネタイトさん、原口沙輔さん。
彼らは20代という若さで圧倒的な再生数を叩き出し、その発想力と感性はまさに“天才”という言葉がふさわしい。
「何を食べて、どんな人生を送れば、あんな音楽が生まれるのか」
そう思わずにはいられません。
音楽の進化とAIのこれから
音楽は、ジャンルだけでなく「形態」でも大きく進化してきました。
生演奏 → レコード → カセットテープ → CD → MD → ネット配信
このように時代ごとに形を変えてきましたが、そのたびに「新しいものを受け入れられない人」も一定数いたはずです。
たとえば、
- レコードが登場したときは「やっぱり生演奏が一番。レコードなんて邪道だ」。
- CDが普及したときは「アナログの温かみが良いんだよ。CDは味気ない」。
- ネット配信が広がったときは「配信は音圧が低い。音楽を聴くならCDが一番！」
そんな声があったことを覚えている方も多いでしょう。
実際、それぞれにメリット・デメリットがあり、「どれが一番良いか」を決めるのは難しいものです。
そして、衰退する媒体もある一方で、「新しい＝正しい」とも限りません。
生演奏（コンサート）のように、今も変わらず価値を持つものがありますし、レコードやカセットの“アナログ感”を好む若者も増えています。
「古い＝悪い、終わった」とは限らないんですよね。
ラジオも同じです。
テレビが普及しても消えることなく、今では“ネットラジオ”として再注目されています。
こうした時代の移り変わりを振り返ると、AIとの向き合い方のヒントが見えてくるかもしれません。
才能ある若者こそ、AIよりも怖い？
ちなみに、私が本当にすごいと思うのはAIよりも“人間の才能”です。
たとえば平成のJ-POPシーンでは、小室哲哉さんやつんく♂さんが音楽界を席巻していました。
しかし、その中でわずか16歳の宇多田ヒカルさんが登場。デビュー曲「First Love」は発売からわずか1ヶ月で累計500万枚を突破しました。
しかも全曲の作詞・作曲を本人が手がけていたのです。
彼女の登場は、日本の音楽シーンを根本から変えたといっても過言ではありません。
最近で言えば、Adoさんやtuki.さんなども同じように時代を動かす存在です。
10代にしてネットを武器に頭角を現し、顔を出さずに音楽活動とプライベートを両立させています。
一昔前なら「事務所に所属し、プロデューサーがいてこそアーティスト」という常識がありましたが、彼女たちはその常識を軽やかに超えていきました。
まとめ
最後にAIが音楽を作る時代、私たちは改めて問われています。
音楽とは何か？
想像とは誰のものなのか？
AIが作るものは“音楽”かもしれません。
でも、心を動かす作品を生み出せるのは、やはり“人間の意思”なんじゃないでしょうか。
最終的にそれを使いこなすのは“人間”です。
どんな時代になっても、「新しい技術をどう活かすか」を決めるのは私たち自身。
AIに怯えるより、自分の感性と創造力をどう磨くか――
それこそが、これからの時代に必要なことではないでしょうか。
